Сегодня мы расскажем вам о цифровой интерактивной выставке «Искусство взаимодействия», которая открылась в центре современного искусства Марс.
Центр современного искусства Марс в Москве имеет давнюю историю работы с молодыми художниками-новаторами. Бывшая галерея Марс появилась в 1988 году и стала одной из первых негосударственных площадок в СССР, активно продвигавших современное искусство. В коллекции Центра МАРС находится около трех тысяч произведений знаковых российских художников второй половины XX века.
Новейшая история центра Марс началась в этом году. Теперь это площадка для демонстрации художественных проектов, которые затрагивают все человеческие чувства. Аудиовизуальные инсталляции и перформансы, которые можно увидеть в Марсе, ориентированы на вовлечение зрителя в мультимедийное пространство и получение им необычного эмоционального опыта через взаимодействие с интерактивной средой.
Новая выставка под названием «Искусство взаимодействия» полностью отвечает заданной концепции. На двух этажах Марса расположились 7 интерактивных инсталляций. Каждая работа тем или иным способом взаимодействует с посетителем, предлагая ему перестать быть сторонними наблюдателями и самому поучаствовать в создании аудиовизуального произведения. Корреспондент программы «Время культуры» побывал на открытии необычного мультимедийного проекта и поговорил с медиа-художниками и организаторами происходящего.
У самого входа гостей экспозиции встречает интерактивная анимированная картина под названием «Окно OxF». Вы можете заглянуть в нарисованный сказочный город через окно, охваченное зимним узором. От приближения человек ледяная завеса, умело созданная программистом, словно тает и открывает прекрасный вид на предновогодний городской пейзаж. Один из авторов проекта — Глеб Сторожик рассказал нам, что, по его мнению, должен чувствовать человек при взаимодействии с этой живой картиной.
Глеб Сторожик: Каждый человек в детстве или когда стоял у окна и смотрел в замерзшее окно... И подглядывал за жизнью в других окнах, других местах, за жизнью на улице. И мы предлагаем человеку почувствовать себя в этой роли.
Он стоит и следит за тем, что происходит на улице волшебного города, более или менее обычного. И перед ним стоит преграда, с которой он как раз-таки и должен взаимодействовать. Он должен ходить, чтобы это стекло перед ним оттаивало и видеть то, что происходит за окном, тем самым разрушая барьер между собой, этим миром и другим миром, подглядывая в него, узнавая что-то новое. Каждый раз замечая какие-то новые детали.
Вот это место в данный момент — как раз он считывает мою фигуру. То есть, когда мы перемещаемся, то окно как раз-таки и «оттаивает» в том месте, где стоит человек. Он может учесть, что ему нужно рукой посмотреть или отойти чуть в сторону. И так он узнает этот город, этот мир, изучая его по чуть-чуть.
Это выдуманный город, это как раз второй человек, который был, это дизайнер-иллюстратор Янина Лисовская, она и придумала этот город. Придумала все дома, придумала всех персонажей, которые были. А я программист, я воссоздал все это, наполнил его анимацией, живностью. Это наш совместный проект.
RadioBlago: Глеб Сторожик и Янина Лисовская — это в первую очередь супружеский союз, но теперь благодаря выставки «Искусство взаимодействия» программист и дизайнер образовали новый творческий тандем и планируют и в будущем работать совместно. Глеб Сторожик рассказал нашему корреспонденту, как проделал путь от айти-специалиста до создателя художественных произведений.
Глеб Сторожик: Закончил обычный институт Станкин на программиста, но потом понял, что программистом я не особо хочу быть, мне хотелось именно творческого чего-то такого. И я стал моушен-дизайнером. Где-то год был моушен-дизайнером, понял, что мне не хватает навыков непосредственно композиции и так далее, цветопередачи, подбор цветов, потому что, чтобы это получить надо или на какие-то курсы долго идти, еще что-то заканчивать. И я случайно встретился с Ваней Кабалиным, которого инсталляция сейчас наверху. Два года назад было такое мероприятие Moscow Vision Show Case и у него было виджей-шоу, которое простраивало в зависимости от звука.
И мне очень понравилось вот это сочетание графики, которая создается с помощью программирования, с помощью математических формул, каких-то взаимодействий. И я понял, что это та точка пересечения, которая мне нравится, в которой я себя отлично ощущаю, и я вижу какой-то графически красивый результат. И в тот же момент тут можно много что сделать непосредственно, не прорисовывать вручную. Например, вот эти все треугольники отрисованы поверх которые, которые стекло, ни один из них не отрисован вручную, это все просто задано массивом точек, перемещение тоже задается общей функцией. И тут как раз есть такие математические вещи плюс взаимодействие с человеком, который знает и умеет хорошо рисовать. И поэтому такой выбрали момент.
RadioBlago: Упомянутый медиа-художник Иван Кабалин представил на выставке свою новую инсталляцию «Сакральная геометрия», которую он подготовил вместе с известным музыкантом, ведущим российским автором электронной музыки Алексеем Девяниным. С 2008 года он известен под псевдонимом Pixelord (Пикселорд).
«Сакральная геометрия» помещена в зеркальную шестигранную комнату, которая реагирует на количество присутствующих зрителей, меняя степень освещенности и громкости звукового сопровождения. Подробнее рассказал Алексей Девянин.
Алексей Девянин (Пикселорд): Вы видите Сакральную геометрию, так называется наше произведение. В ней отражается темная сторона, так скажем, нашего понимания, видения мира, через геометрию. Я как создатель музыки старался сделать очень глубокую темную потустороннюю вещь. А Иван соответственно это синхронизировано со мной повторял в геометрических световых формах. А технически это работает так, что она реагирует на поведение людей, и чем активнее люди ведут себя, тем более темнее и страшнее она звучит и больше звуков происходит. То есть, если там человек стоит, например, стоит, не двигается, ничего не делает, то музыка и visuals ведут себя более или мене спокойно. И чем больше людей, тем более насыщеннее звучит музыка и visuals.
Interaction именно в том, что там датчики отслеживают количество и тип поведения людей, насколько быстро они двигаются, крутят ли они руками. То есть, идеальная ситуация — постоять, покрутить руками во все стороны и тогда будет максимально большое количество звуков запускаться, и мелодий, и битов.
Я просто давно хотел реализовать противоположную сторону своего творчества, в каком-то темном ключе, и вот здесь мне это удалось, как мне кажется.
Моя музыка, она отчасти про видео-игры, она основана на каких-то вдохновениях видео-играми 90-х, 2000-х, и такие штуки я делаю, как в проекте Pixelord нечасто. А вот когда мы с кем-то вместе работаем над инсталляциями или танцевальным спектаклем, такие штуки происходят, и я пытаюсь сделать что-то другое. Потому что вовремя коллаборации с другими людьми рождаются другие состояния, и хочется как-то в другом ключе себя проявить. И исследовать другие вообще стороны.
RadioBlago: Знаковые медиа-художники современности Ян Калнберзин и Евгений Афонин создали масштабную полнокупольную видеоинсталляцию под названием «Роза Мира. Шрастры и Уицраоры» по мотивам всемирно известного философского произведения Даниила Андреева.
Художники визуализировали многослойность вселенной и иную реальность, лежащую далеко за пределами известного нам материального мира. Зрителям предлагают погрузиться в видео, расположившись на мягком пуфе под проекционным куполом. Комфортный просмотр не отменяет серьезного содержания работы, а лишь помогает приблизиться к её пониманию, считают организаторы проекта.
Ян Калнберзин рассказал нашему корреспонденту, что от идеи до воплощения проекта прошло буквально несколько недель, но сам замысел авторы вынашивали давно.
Ян Калнберзин: С Женей, с которым мы все это делаем, нам очень нравится эта книга. Она очень красивая. И главное — что она довольно неплохо может быть «приложима»... понятно, что можно воспринимать ее как художественное произведение, не обязательно ее воспринимать как Библию. Но даже в художественной интерпретации это вполне интересное осмысление реальности существующей. У нас просто работа, которая нам нравится очень, и которую, мне кажется, стоит показывать. Почему на Искусстве взаимодействия? Потому что взаимодействие бывает разное. Можно нажимать на кнопочку, можно плясать перед датчиком, а можно просто погрузиться в некое иммерсивное пространство и про-взаимодействовать с какой-то идеей. Не только с живым роботом или с какой-то технологией, а попробовать через технологию какую-то историю почувствовать. Мы, конечно, ничего не можем ждать от зрителя, мы только можем предложить какую-то тему для размышления. А зритель уж сам...
RadioBlago: Продолжая движение по второму этажу центра Марс после знакомства с полнокупольной инсталляцией зритель попадает в еще один необычный зал. В рамках выставки «Искусство Взаимодействия» в нем будет действовать «АV-лаборатория»— совместный проект куратора объединения АРТМОСФЕРА Сабины Чагиной и продюсера Центра МАРС Дмитрия Знаменского. На этой площадке художник Андрей Бергер и диджитал-объединение Watch Me преобразуют пространство зала в интерактивную аудиовизуальную среду.
В этих пульсирующих интерьерах и выступал на открытии известный мастер электронного перфоманса, композитор, программист, экспериментальный художник Александр Сенько. Нашему корреспонденту удалось поговорить с ним до начала представления и расспросить подробно о том действе, которое готовится.
Александр Сенько: У меня это постоянно живущий организм. Он постоянно модифицируется, изменяется, что-то добавляется, что-то прибавляется. Конечно, для каждого выступления у меня свой сценарий, своя какая-то драматургия. И потом это же все-таки совмещение запрограммированных каких-то логарифмических вещей с живым исполнением, то есть соответственно исполнение будет здесь уникально. Да, и каждый раз, в зависимости от места и от времени.
Вы знаете, мне очень нравится это потрясающее состояние, когда из каких-то формул, цифр вдруг что-то рождается. Для меня например, в этом есть какой-то особый смысл. Испытываю настоящее переполнение чувств, когда я что-то программирую-программирую
Конечно, идея всегда впереди. Идея. Наш мозг всегда мыслит. Но потом в искусстве ведь очень часто бывают какие-то непредсказумые вещи, когда вот буквально случайно что-то нашел. Просто, занимаясь иногда, скажем так, черновой работой. И вдруг находятся какие-то звуки потрясающие, или составляющие визуального ряда. Из этого уже рождается композиция. Иногда бывает наоборот — первична идея, целиком, и уже все подчиняется. Но вообще обычно процесс сложный, там и то, и то, все как-то перемешивается.
Перфомансом этим я уже занимаюсь несколько лет, он живет. Здесь бывают разные сцены. Иногда первично видео. И наоборот из визуального ряда каждая точка на экране каким-то образом трансформируется в звучание. В перфомансе несколько разных частей, и в каждой части помимо звука, помимо визуализации и вообще разные принципы... Я использую несколько разных принципов. Иногда звук генерирует видео, иногда наоборот. Иногда они даже взаимодействуют, трансформируют друг друга.
Да, это все очень тесно связано. С помощью программного языка пио-дата. Ну, например, будет сцена одна из самых простых. Проста по своей задумке, но достаточно эффектна, то есть, когда объекты движутся внизу экрана, это низкие частоты, когда они улетают вверх — это высокие частоты. Соответственно, когда смещаются направо, панорама, звук уходит вправо. Налево — влево. Но это самый простой принцип. Есть гораздо более сложные, основанные на преобразовании фурье, решемпинге...
RadioBlago: В следующем зале представлена новая светозвуковая кинетическая инсталляция одного из самых именитых участников проекта — Дмитрия Морозова. Он известен под псевдонимом ::vtol:: . Художник занимается созданием интерактивных аудио-визуальных инсталляций, экспериментальной электронной музыки, sound art и конструированием нестандартных электронных музыкальных инструментов. Инсталляции Дмитрия Морозова были представлены на выставках 4-й Московской биеннале современного искусства, Lexus Hybrid Arts , Ночь новых медиа в Николо-Ленивце, Мифология-Онлайн в Политехническом Музее и многих других. Дмитрий Морозов — обладатель специального приза Премии Курёхина, лауреат премии Инновация, резидент soundartist.ru, проекта Никола-Ленивец и аналогичного проекта во Франции.
В его новой работе для «Искусства взаимодействия» роботизированные механизмы при появлении зрителя приводят в действие светодиодные кабели, образуя при этом эффект «световых волн». Название инсталляции Swipe можно перевести как сильный удар или ударять с силой.
Спускаясь на первый этаж мы попадаем в знаменитый зал Марса с двухэтажным экраном. На этот раз он принимает в своих стенах 3D-работу «Черный шум». Объемное изображение вступает в непосредственный визуальный контакт со зрителем, стоит лишь надеть специальные очки.
В соседнем зале посетителям предлагается поработать со своей виртуальной тенью, сгенерированной и спроецированной на стену в режиме реального времени. Взмахом руки здесь можно создать невероятный рисунок, а сделав пару шагов, оказаться в фантастическом мире цифровой реальности от Андрея Бояринцева — основателя студии электронных ремесел IvanRastr.
От количества посетителей также зависит объект, созданный командой Kuflex, в которой участвуют Игорь Татарников, Денис Перевалов и Ксения Ляшенко. Их инсталляция «Струны» на самом деле представляют собой своеобразные «елочки», которые могут напомнить нам о приближающихся праздниках. Насыщенность виртуального украшения этих новогодних деревьев напрямую зависит от количества гостей в зале.
Авторы двух инсталляций на выставке — «Пустота» и «Черный шум» — творческий коллектив TUNDRA, состоящий из видеохудожников, музыкантов, звукоинжинеров и программистов. TUNDRA исследует грани взаимодействия звуковых и визуальных образов с человеческими эмоциями, специализируется на создании аудиовизуальных перфомансов и интерактивных инсталляций. Двое из четырех участников проекта Клим Суханов и Александр Лециус рассказали нашему корреспонденту о своей работе «Черный шум» и о том, чего они не ждут от посетителей выставки.
Клим Суханов: У нас просто все работы посвящены поиску взаимодействия, поиску восприятия, как человек воспринимает пустоту, отсутствие чего-то. В музыке есть понятие белый шум. Белый шум — это совокупность всех частот, равно звучащих на одной громкости, то есть, грубо говоря — это как белый цвет, в котором есть все цвета. И понятие такое как black noise, его не существует, то есть это такое ничто. Но при этом, Саша уже сказал, в нашей инсталляции мы решили использовать минимальный набор инструментов, это такое шум сам по себе. Вот и получилось такое название. Мы хотели опять-таки поэкспериментировать с тем, как человек воспринимает пустоту через шум.
Александр Лециус: В том моменте, где сфера, человек видит свое отражение в этой сфере, то есть человек погружается внутрь сферы, внутрь фильма, то есть, по сути, это как кино. И человек в какой-то момент является частью этого фильма, отражается в нем. Но если это можно назвать фильмом, и получается, что человек сам чуть-чуть внедряется в это пространство, да.
Клим Суханов: Мы в принципе как раз делаем работу для того, чтобы создать реакцию, то есть мы не ждем какой-то конкретной реакции, мы работаем для того, чтобы человек получил опыт, уникальный. Он не должен развлечься или получить такой wow-эффект. А создание какого-то опыта избавленного от ассоциаций по максимуму, по возможности. Вот вы сказали «Черный квадрат». Но для нас это была такая очень классическая форма, которая очень классно вписывалась в концепцию Black noise. У кого какие ассоциации, на самом деле. И у всех, получается, этот опыт уникальный. То есть каждый человек смотрит по-своему. Поэтому мы лишь хотим создать условия для экспериментального возникновения нового опыта.
Александр Лециус: Значит, ты просто воспринимаешь то, что происходит и не думаешь: «О! Произошло». Нет, чтобы этого не было. Чтобы максимально человек не мог зацепиться за какие-то символы или еще что-то, чтобы это было максимально очищено от ассоциаций, и от мыслей, и от ментальности какой-то, чтобы это было чистое переживание. Да, «что-то происходит, не понятно, что, но почему-то хочется продолжать».
RadioBlago: В арт-группу Тундра помимо Александра Лециуса и Клима Суханова также входят Александр Синица и Семен Перевощиков. Участники коллектива познакомились в креативном кластэре «Тайга» в Санкт-Петербурге.
Александр Лециус: Мы начинали как — ребята занимались музыкой, мы с Сашей Синицей занимались визуальными инсталляциями. И тут мы встретились в Тайге, Тайга — это можете прочитать, что такое, в Петербурге, креативный кластер. И оказалось, что мы хотим соединить усилия, чтобы делать какие-то совместные истории, потому что нам показалось, что мы мыслим в одном направлении.
Клим Суханов: То есть задачей коллаборации было не выделять там visual или звук на первое место, а сделать это так, чтобы это работало именно в совокупности и в совокупности с местом, где мы делаем нашу инсталляцию, чтобы пространство преобразовывалось в возможность возникновения тех уникальных опытов, о которых мы говорили. Вот задавали вопрос, что возникает сначала: звук или изображение — у нас сначала возникает какая-то идея. Это первый вариант — второй вариант, мы просто постоянно экспериментируем. Была возможность у нас сесть в этом зале с кучей синтезаторов и оборудования. И соответственно с программами, в которых мы могли задавать все параметры визуальные. И мы просто экспериментировали. Мы просто искали, искали, находили взаимодействие. И тут когда все впятером говорят: «О! Это работает». Мы, значит, берем и записываем в свои блокнотики.
RadioBlago: Продюсер аудио-визуальных программ центра современного искусства Марс идейный вдохновитель выставки «Искусство взаимодействия» Дмитрий Знаменский рассказал нашему корреспонденту историю создания и основную концепцию нынешнего проекта.
Дмитрий Знаменский: Мне просто очень давно хотелось сделать выставку, где все будет интерактивное. Вообще все. Со всем можно будет повзаимодействовать. В чем отличие вот этого от того, что я делаю, от современного искусства обычного? Отличие в том, что современное искусство посылает информацию в одном направлении, то есть от работы к человеку-созерцателю. А я хотел сделать именно так, чтобы люди могли взаимодействовать с этими работами и посылать этим работам какую-то свою, какие-то движения там, свое присутствие. Что-то делать, производить какие-то действия. И работа должна была им отвечать на это все. И вот, собственно, посмотреть на это, как люди будут себя вести в разных этих условиях. Как они будут взаимодействовать с работами, это, на самом деле, самое интересное, то, что будут делать люди. Мы специально не везде писали, как управляется инсталляция. Просто в первый, во второй, в третий и в четвертый день мы хотим посмотреть, как люди будут это реально делать. Потому что я вот хожу и смотрю, что кто делает. Приходят, смотрят: «Ой...». А кто-то сразу начинает что-то делать, а кто-то стоит в углу, наблюдает. Вот это интересно: взаимодействие людей и современного аудио-визуального искусства.
RadioBlago: По признанию продюсера, коллектив авторов проекта «Искусство взаимодействия» полностью состоит из его личных друзей и коллег по той сфере, в которой Дмитрий работает уже не первый год. Как рассказал организатор, он всегда предлагает художникам попробовать что-то новое, поэтому с ним так любят работать молодые и уже известные авторы.
Дмитрий Знаменский: Я не люблю слово куратор, я ненавижу это определение. На мой взгляд, кураторы это такие люди, которые пишут какие-то концепции при этом сами ничего не делают, а только подбирают художников и картинки развешивают. А я именно участвую во всех процессах: от начала и до конца. Прихожу, советую, говоря: "Давайте так, а давайте по-другому. Это не классно. А давайте здесь иначе сделаем. Давайте попробуем вот-это". Какие-то идеи предлагаю. Так как я сам.., меня просто не хватает, если честно, на то, чтобы самому начать что-то делать. Но я понимаю, как эти процессы все происходят, что как работает, как какие датчики работают, как какие программы работают. Как какое видео работает, как что в компьютере происходит. Как графика обсчитывается и так далее. Я это все понимаю, потому что давно этим занимаюсь. И многое там... чисто теоретически. Но мне не хочется садится и самому что-то делать, потому что мне кажется, что моя задача — это соединять, направлять ребят, для меня просто это слишком узко. Ты начал одну свою деятельность и, чтобы стать профессионалом, тебе нужно вот именно ее давить, давить, давить. А я просто хочу заниматься каким-то широким спектром задач. У нас тут происходит взаимодействие между продюсером, художником, мы не просто так вот, как принято, взяли готовую работу и повесили себе там где-то. Мы все работы, все время, даже если они готовые были и где-то там показаны на прошлых выставках, мы делали, они все равно здесь выглядят по-другому. Потому что мы переделываем вместе с художником. Как музыкальный продюсер работает с музыкантами, знаете? Они же сами музыку особо не пишут, но они подсказывают, говорят: "Вот смотри, здесь нужен такой-то биточек, чтобы там эта композиция лучше там звучала". Музыкант говорит: "Ага, хорошо, о`кей". Или еще там что-то поменяют. Вот также и я здесь работаю, стараюсь что-то там: давайте это так, а вот это так. Советую что-то.
RadioBlago: В материалах выставки приводятся слова искусствоведа Лизы Савиной об экспозиции «Искусство взаимодействия». «Работы художников объединяют две основные тенденции: первая – это попытка уйти от персонального, сугубо авторского искусства как прямой проекции внутреннего мира художника, вторая – ориентация на новые технологии. Это мир гиков-интровертов, выплеснувшийся на поверхность коллективного бессознательного. Освобождая свое искусство от личных семантических кодов, авторы делают шаг навстречу зрителю, вовлекая его в круг своих культурных интэнций, давая ему возможность выстроить образы в соответствии с собственными эстетическими правилами и установками».
Параллельно с выставочной программой центр Марс подготовил насыщенные концертную и образовательную программы для взрослых и детей. Это для тех, кто захочет расширить свои представления о мире современного медиа-арта. Продюсер музыкальных программ центра Марс Андрей Морозов рассказал нашему корреспонденту, что ждет посетителей выставки в ближайшие месяцы.
Андрей Морозов: Дальше у нас будет много всего, но, в основном, начнется с января программа: январь, февраль и дальше. У нас будет много зарубежных музыкантов, то есть на этом будет акцент. В принципе, будем возить какие-то крупные и значимые для мировой сцены имена. Вот у нас уже подтверждено несколько выступлений. Будет выступать Уильям Басински, композитор американский. Одно из самых известных имен на эмбиент-сцене сегодняшней. Потом у нас будет Steve Hauschildt , это тоже американский музыкант. Он играет аналоговую электронику, бывший участник группы Emeralds, будет выступать в аудио-визуальным шоу. И Уильям Басински тоже. У нас один важный момент. Мы делаем акцент. Стараемся возить артистов не просто с концертами, но с аудиовизуальными программами. Либо у них какой-то свой видео-ряд, либо у них есть еще какой-то человек, который за это отвечает. То есть, так как мы все-таки мультимедиа галерея, мы стремимся в концертах тоже продолжать это направление, чтобы все вот было в комплексе. Все-таки отчасти есть такой момент, что сегодня люди, может быть в силу того, что мало времени, может в силу того, что музыки очень много, не все способны воспринимать абстрактную музыку внимательно и слушать ее, и поэтому видео-ряд, наверное, во многом помогает в этом. То есть, когда ты оказываешься на концерте и слышишь какую-то абстрактную электронную музыку экспериментальную, то, когда ты видишь на экране продолжение какое-то этой музыки, намного проще ее воспринимать и вообще как-то прочувствовать.
Минимализм нам тоже, в принципе, интересен. Но у нас и академическая, и не академическая музыка. В принципе, мы и в той и в той заинтересованы одинаково. Скажем так, мы ориентируемся просто на какую-то интересную и необычную музыку, если так вкратце резюмировать. Я думаю, что академическое направление тоже будем скоро развивать, и какие-то минималистские штуки нам тоже интересны, особенно если это минималистично не только в плане музыки, но и в плане исполнения. Например, исполнение какого-нибудь Стива Райха: скрипка и лупер. Это очень интересно, когда один человек исполняет целое прозведение. Сыграет партию, потом симплирует ее. И сверху начинает еще наигрывать. Такой тоже симбиоз музыки и технологий.
RadioBlago: По словам авторов проекта, «Искусство взаимодействия» — это не только название выставки, но и призыв к активному освоению совсем недавно элитарной, а сегодня общедоступной территории медиа-арта. Центр Марс приглашает к диалогу всех желающих, независимо от уровня подготовки и профессионализма.
Официально выставка продолжит свою работу до 28 февраля, но, по словам Дмитрия Знаменского, есть вероятность, что проект задержится еще на какое-то время. В любом случае, всем, кого заинтересовала возможность взаимодействия с объектами современного искусства, стоит поторопиться. Центр Марс расположен в Москве по адресу: Пушкарёв переулок, дом 5. Метро «Трубная».
На этом программа «Время культуры» подошла к концу. До встречи в выставочном зале!
